Última película que hayáis visto.

Recuerdo del primer mensaje :

Dos policias rebeldes 2.

Albtor por supuesto comentaré tu película; no tengo ordenador, estoy en el portatilillo patatero, pero cuando vea la de lumet ya te dire.

Un Dios salvaje.
La coherencia del universo de Polanski, toque el género que toque y se sumerja en las tramas más variadas en que se sumerja, es asombrosa, digna de uno de los más grandes e indiscutibles talentos cinematográficos que han surgido nunca.
La inteligencia de sus propuestas, la coherencia de sus reflexiones, siempre fieles a sí mismo, y el talento visual y cinematográfico de una mente excepcional hacen de cada título del director francés una cita ineludible, aunque alguna de ellas haya sido fallida.
En “Un dios salvaje” Polanski coge una obra teatral de Yasmina Reza, que se encarga del guión también junto al director, y la convierte en una cinta absolutamente personal.
Polanski encierra a 4 personajes en un apartamento de Nueva York y los exprime a conciencia, un solo decorado, enmarcado en dos planos, uno al inicio y otro al final en exteriores, que es desde el mismo planteamiento uno de los rasgos comunes del autor, algo que hemos visto en multitud de sus películas.
Un asunto leve, como la agresión de un chico a otro, reúne a los padres de ambos chavales para discutir y solucionar la situación de forma civilizada, todo parece solucionarse y resolverse sin problemas pero cuando menos se espera la situación comienza a complicarse y volverse tensa.
Polanski gusta de situar a sus personajes en espacios cerrados para estudiarlos y ver su deterioro y progresión dramática, su turbulencia psicológica, siendo además algo simbólico del enclaustramiento mental y obsesivo de dichos personajes. El director es un auténtico maestro del espacio fílmico, rueda y se mueva tanto por decorados únicos o cerrados como en los abiertos con una brillantez inusitada. Desde luego esto se ve más marcadamente en este tipo de películas cerradas, sacando partido a cada encuadre, a cada espacio y elemento por donde se mueven sus personajes.
Ya lo vimos en su anterior cinta “El escritor” (2010), y como movía la cámara y a sus personajes por esa casa omnipresente, el partido que le sacó, y como los objetos que componían el decorado eran tratados con especial mimo y detalle.
Esto no es nuevo, Polanski ha encerrado a sus personajes en habitaciones, casas o espacios cerrados, de donde no podían salir en una gran cantidad de sus películas, creando de forma natural, como suele suceder en estos casos, los conflictos dramáticos que le interesan.
El “El cuchillo en el agua” (1962), Polanski encerró a sus tres personajes en un yate y los examinó a conciencia tensando los conflictos y obsesiones de los mismo, en “Repulsión” (1965) el apartamento el personaje de Catherine Deneuve se convierte en la manifestación de la psique de la propia protagonista, en “Callejón sin salida” (1966) mantiene a cuatro personajes encerrados en un castillo perteneciente a una pareja, en él volverá a sacarse partido a la tensión y los conflictos de todo tipo para examinar la psicología y tratar multitud de temas en clave de comedia con tintes surrealistas. “La semilla del diablo” (1968) es la obra maestra del terror urbano, la soledad en la ciudad, en ese edificio y ese apartamento donde vive Mia Farrow, un espacio fílmico sin el que la película hubiera sido imposible, el sentido de todo, lo mismo ocurre con “El quimérico inquilino” (1976), una cinta donde la comunidad y el piso donde vive el personaje, interpretado por el propio Polanski, tienen vida propia, “La muerte y la doncella” (1994) es paradigmática a este respecto en ese juego del perro y el gato entre una víctima y su verdugo con un piso como único escenario. Desde luego hay más ejemplos, sin contar el hecho de que en muchas otras de sus cintas un aislamiento, o que cierta fase de la historia transcurra en lugares cerrados, tenga una gran importancia.
Temas como la civilización, el civismo, la educación, las máscaras sociales que éstas suponen, las formas, lo políticamente correcto, son algunos de los temas mostrados, analizados y cuestionados en esta “Un dios salvaje”, igual que en otras cintas similares eran conflictos de clase o psicológicos. Polanski destapa todas las formalidades sociales, las desnuda y las muestra como máscaras sociales que cubren los verdaderos pensamientos, sentimientos y formas de ser de los individuos.
Con estos mimbres es fácil pensar en ciertas influencias sobre todo la de “El ángel exterminador” de Luis Buñuel (1962), con esa aparente imposibilidad que parecen tener los personajes para salir del apartamento, hacen varios amagos pero siempre hay algo que les impide irse, eso y el deterioro del civismo que pretenden mantener. El teatro de Harold Pinter con esa tensión creciente que se desarrolla a partir de un hecho aparentemente trivial y sin importancia también es fácil que acuda a la cabeza. Incluso una obra como “Oleanna” de David Mamet (que tuvo su versión cinematográfica en 1994 dirigida por el propio dramaturgo) y ese toma y daca entre las dos posturas que encuentran argumentos para desenmascarar las tesis mantenidas por el otro.
El tema del civismo es la base donde se sustenta la película, no tarda en mencionarse de hecho, para justificar lo que parece un gesto coherente y acorde con la moderación y buenos principios que pregonan defender los personajes. En este comienzo se sucederán las conversaciones y referencias mundanas, superficiales, de compromiso, como mandan las buenas costumbres, todo fingido ya que las preguntas se realizan por mero formulismo y no porque interese realmente la respuesta. Unos personajes sumergidos en una orgía de formalidad, como mandan los cánones de la buena sociedad.
Entre estas conversaciones habrá referencias a elementos decorativos, muy en consonancia con la superficialidad reinante, y veremos unas flores, tulipanes, que tendrán importancia simbólica a lo largo del film.
En un principio serán elemento de unión, un detalle que realza la superficialidad del decorado en que se quiere envolver la circunstancia que los personajes quieren tratar, una forma de aparentar. Luego será objeto de reproches entre el matrimonio Foster-Reilly, cuando se echan en cara su compra y quién fue el que tomó la decisión de ponerlos y sus motivos. Finalmente, y como no podía ser de otra forma, acabarán destrozados, una vez todo formulismo e intento por aparentar civismo se ha venido abajo, por el personaje de Kate Winslet.
Tras unos breves minutos parece que los matrimonios se van a separar, pero como si de una fuerza oculta se tratara algo impide abandonar el apartamento de forma definitiva a ninguno de los 4 personajes, en especial al matrimonio Waltz-Winslet que son los visitantes. Esto ocurre al tornar las frases de cortesía iniciales en sutiles reproches que hacen saltar cierta chispa. Para atemperar ánimos deciden tomar un café. Ante todo civismo. “El ángel exterminador” sobrevuela la pantalla.
Es evidente que el referente teatral y el enclaustramiento en un piso puede dar la sensación de teatro rodado pero Polanski, como siempre, gracias a su talento visual y como director sortea con brillantez este problema. Cada encuadre es una obra maestra, cada altura y posicionamiento de la cámara tiene un sentido y un contenido, cada situación de los personajes, ya estén sentados, de pie o arrodillados, tiene una intención para mostrar, por ejemplo, la mayor jerarquía moral o posicionamiento dominante en los momentos en cuestión con respecto a otro u otros personajes. Si un personaje se mantiene de pie sobre otro sentado, será por algo, implicará una posición de dominio, seguridad sobre el otro o una posición moral más fuerte. Si se arrodillan o se le coge en ligero picado implicará humillación… No hay puntada sin hilo en la dirección y dominio del espacio fílmico que realiza Polanski.
Cada encuadre desarrollará la evolución tanto de historia como de los personajes. Otro ejemplo lo tenemos en las mencionadas flores y su presencia en primer plano en el inicio de la película.
La progresión dramática es excelente, de la aparente armonía inicial pasamos a las tiranteces que van creciendo hasta llegar al punto de perder totalmente los papeles. Son muy buenos ciertos detalles de guión al respecto, como las frases iniciales de las dos parejas a solas diciendo lo que piensan de la otra pareja respectivamente. Del “son muy majos” a, una vez se han sucedido las primeras trifulcas, de nuevo en la soledad de las parejas, ver cómo han cambiado radicalmente de opinión y pasan a definirse de “horribles”. El paso del tratamiento formal al tuteo es uno de los puntos culminantes en la inflexión de esto que comento, el acercar y el romper las maneras formales es un primer paso en esa paulatina progresión del deterioro en las formas, una demostración de lo vacío, de lo impostados de las maneras sociales, de esa educación y formas que se pretenden mantener. El tuteo es la eliminación de una de las capas de la cebolla del civismo que pretenden las parejas. Al final del tratamiento formal y después de pasar al tuteo se llegará, como es de esperar, al insulto y pérdida de todo respeto y mantenimiento de esas formas que tanto reivindicaban. Unas formas necesarias pero que se antojan falsas en su mayoría, y acaban cediendo ante nuestros prejuicios, complejos y esquemas establecidos. Así la educación como escudo, el escudo que se habían impuesto, que nos ponemos en muchas ocasiones, se va resquebrajando. Vamos viendo el paso al verdadero ser, al más instintivo, que se va imponiendo. El desenmascaramiento de las normas sociales.
Polanski usa un gran sentido del humor durante todo el metraje que relajará la tensión y hará digerir mucho mejor al espectador lo que ve, tiene esa facultad para hacer llegar temas y reflexiones perturbadoras y provocadoras manteniendo el beneplácito de todo tipo de público. Ésta es otra de las grandes virtudes del maestro francés.
Las puertas del ascensor se cierran y las batallas comienzan, un ascensor que más que las puertas del infierno, parecen las del paraíso y la liberación pero nuestros protagonistas no se atreven a cruzarlas. Los personajes se van sintiendo incómodos al tratar los temas más de frente, como el espectador, luchando en un conflicto interno entre mantener las formas y buenas costumbres y dar rienda suelta a todo lo que llevan dentro y realmente piensan.
El único enlace con el exterior será el teléfono, uno fijo pero sobre todo el móvil de Christoph Waltz. Un móvil que es un personaje más y que protagoniza grandes momentos de humor, transmite todo lo que se pretende que transmita, y el espectador se muestra solidario ante la desesperación de los demás cada vez que suena, e incluso cuando se da un chapuzón, como el que salta en trampolín, en un florero.
Otro punto culminante es la tremenda vomitona de Kate Winslet, la comodidad y seguridad de esas normas que son rotas altera a esas personas hasta el punto de no poder controlarse. El vómito como manifestación del yo orgánico, impulsos incontrolables que alteran la aséptica sociedad del bienestar, que perturban la comodidad de las buenas formas. Al verse obligados a alterar esas normas de conducta se produce una manifestación física incluso.
Por supuesto detrás de esas normas se esconde una frialdad total por parte de los personajes y ante la vomitona, la principal preocupación del personaje, que se presenta como el más civilizado y cívico, al menos ella lo cree, de Jodie Foster serán sus libros de arte manchados por las salpicaduras del vómito de Winslet. Luego pedirá disculpas por ello, pero su primer impulso está claro.
En el secado de esos libros tenemos un ejemplo más de esa puesta en escena y colocación de personajes, sumado al encuadre, cuando el matrimonio de John C. Reilly y Jodie Foster usan el secador para intentar arreglar el deterioro de los mencionados libros arrodillados ante el personaje de Christoph Waltz.
Los personajes, una vez el conflicto está lanzado, irán fluctuando, oscilando, en sus alianzas, unas veces los hombres harán piña, otras serán las mujeres, machismos, feminismos, prejuicios o defensa de lo que se considera propio serán algunas de las múltiples causas de dichas fluctuaciones.
Con el “ahogamiento” del móvil el personaje de Waltz queda totalmente desolado, como si la dependencia de ese objeto, podría ser cualquier objeto, le definiese e insuflase vida. Móvil y personaje son casi uno.
Toda la cinta es un deleite de puesta en escena y encuadre, cada posición de personajes está perfectamente calculada, si se incluye a uno o dos personajes en plano tiene una intención, bien de resaltar afinidades o lo contrario, por ejemplo. Una realización excepcional, como siempre, detallista y muy precisa que hará las delicias de los más exquisitos.
Las apariencias caen definitivamente, el dios salvaje se impone, y los más bajos instintos salen a relucir dejando al descubierto los complejos y la falta de pureza de esos adultos que discuten y pretenden solucionar el problema de una pelea entre sus hijos.
El irónico final, que comenté, es en exteriores y redondea una cinta extraordinaria y muy corta (79 minutos). Vemos a los dos chavales Zachary (Elvis Polanski) y Ethan (Eliot Berger), hablando sin mayor problema en el mismo lugar donde se produjo la agresión. La brevedad de esos dos planos, el inicial y el final, contrasta con el maremágnum montado por sus padres, lo que provoca sonrojo. El mundo adulto pervertido y mezquino, regodeándose en multitud de chorradas ante la naturalidad con la que los chavales resuelven el problema. Planos en exteriores, libres, de dos chavales ajenos a lo acontecido en el piso con sus padres, que en su obsesión y enclaustramiento mental, que bien se simboliza en el piso del que no logran salir, casi una cárcel, muestran todo lo contrario.
Dos planos que enmarcan la película y le dan el sentido definitivo. Como siempre en los films de Polanski, un último giro a menudo pesimista.
La música corre a cargo de Alexander Desplat, autor de la excelente banda sonora de “El discurso del rey” (2010).
Todos los componentes del reparto están estupendos en unos papeles que son muy agradecidos, con gran variedad de matices y registros. Un nuevo acierto de Roman Polanski que sigue mostrando un talento excepcional aunque pasen los años.

Esa justamente la tengo en pendientes. Pedazo crítica lord te has currado.

Por cierto lord, hablando de 'novedades' te has visto Intouchables?

Después cualgo la otra, que será 4 veces más larga, así no me echaréis de menos jojojo. Intouchables, no la he visto, tienebuena crítica, si me la recomiendas será la siguiente que vea.

A mí me encantó Lord. Me reí mucho.

Pues ya te comentaré esta semana! Gracias tio

JOer y esa peazo critikigua?? bueno a veces le das mil vueltas a las mismas cosas alargándola Las Puertas del cielomente en demasia pero joer ya podrías hablar lo mismiguo en el programa!!!

A mi la pelikuligua me gutó,ese toque teatral y esos dobles sentidos con la camara transportando sensaciones de los personajes me hizo que se me pasara en un alubi suspiro.

Aunque no me pase tanto por aquí, ver veo un montón, atxi las últimas, INTOCABLES (muy bien) THERE MUST BE THYE PLACE(Semi dramón con Sean Penn haciendo de rockero gótico cincuentón, ex-estrella de rock con el sindrome de Peter Pan, Una mezcligua de Jared Hess,Jim Jarmusch y Wes Anderson, todo muy indie y contemplativo pero se deja llevar) MI SEMANIGUA CON MARYLIN (Esperaba algo más..)MISION IMPOSIBLE 4 (cine palomitero de altura, buenisisima) 5 METROS CUADRADOS (drama español sobre la especulación inombiliaria, se deja vermente) y mil más que no recuerdo cebolleta de abuelomente... Bueneo ahora mismon estoy a punto, bueno a atreverme, a ver el Arboliguo de la vida... menos mal que no me he traido el PIkolin al curriguo...

Y sobre la ausencia foreril de Lord, primera noticia que tengo... bueno no le digo nadigua porque tendré que aguantar su actuación a lo The Artistmente en el programigua!!!

jarryguo escribió:JOer y esa peazo critikigua?? bueno a veces le das mil vueltas a las mismas cosas alargándola Las Puertas del cielomente en demasia pero joer ya podrías hablar lo mismiguo en el programa!!!

A mi la pelikuligua me gutó,ese toque teatral y esos dobles sentidos con la camara transportando sensaciones de los personajes me hizo que se me pasara en un alubi suspiro.

Aunque no me pase tanto por aquí, ver veo un montón, atxi las últimas, INTOCABLES (muy bien) THERE MUST BE THYE PLACE(Semi dramón con Sean Penn haciendo de rockero gótico cincuentón, ex-estrella de rock con el sindrome de Peter Pan, Una mezcligua de Jared Hess,Jim Jarmusch y Wes Anderson, todo muy indie y contemplativo pero se deja llevar) MI SEMANIGUA CON MARYLIN (Esperaba algo más..)MISION IMPOSIBLE 4 (cine palomitero de altura, buenisisima) 5 METROS CUADRADOS (drama español sobre la especulación inombiliaria, se deja vermente) y mil más que no recuerdo cebolleta de abuelomente... Bueneo ahora mismon estoy a punto, bueno a atreverme, a ver el Arboliguo de la vida... menos mal que no me he traido el PIkolin al curriguo...

Y sobre la ausencia foreril de Lord, primera noticia que tengo... bueno no le digo nadigua porque tendré que aguantar su actuación a lo The Artistmente en el programigua!!!

Jaja es que a tí te ia a avsar en personamente....

Bueno mi último aporte fílmico a modo de comentario, dedicado a los mencionados y los que ya sabéis y no haya nombrado; nos vemos más que pronto, cuando venga el calorcito o me abráis el post de mi cumple jajaja. Un abrazo.



La invención de Hugo.
Nadie podía esperar que Scorsese se destapara con una obra maestra del cine infantil, en principio tan alejado a sus inquietudes temáticas, pero lo ha hecho. El cineasta más cinéfilo e influyente del cine moderno es capaz de cualquier cosa, de dirigir como cualquier director y de sorprender aún a cualquier espectador. En contra de lo que pueda parecer además la cinta es muy personal.
El metacine está de moda y el clasicismo también, aunque esto, como indica su palabra, nunca se fue ni nunca se irá.
Es muy importante tener en cuenta que se trata de una cinta infantil, familiar, luminosa y positiva a la hora en enmarcar los temas clásicos de Scorsese, es decir, están presentes una gran cantidad de ellos pero su conclusión será optimista.
En Scorsese el clásico camino crístico de muchas de sus cintas busca la pureza real o la idea de la pureza bajo una pervertida mirada adulta. Pervertida o alucinada o psicópata. Aquí ese camino, que también existe, será puro personificado en nuestro protagonista, Hugo, el chaval.
Scorsese ha reflexionado en multitud de ocasiones sobre los mismo temas, la culpa, la redención, el pecado, el perdón… y ha ido variando sus conclusiones dependiendo de los personajes que buscaban una redención falsa y ególatra (“Taxi Driver”, 1976), egoísta y humana (“Shutter Island”, 2010), obligada y asumida (“Toro salvaje”, 1980), real y responsable (“La última tentación de Cristo”, 1988), donde sus personaje en la mayoría de las ocasiones son perturbados, solitarios, cercanos a la psicopatía o sumidos de lleno en ella, que viven en una escisión entre la realidad y la ficción, que no logran sobrevivir en la vida cotidiana salvo sumidos en esa ficción que hace soportable su psicopatía (Toro salvaje) o engañan a la sociedad con sus actos (Taxi Driver)… Esas psicopatías no existen en Hugo pero sí personajes torturados que buscan el sentido de su existencia, la razón por la que están en el mundo, como le dice Hugo a Isabelle, la convicción de que todos estamos por una razón. Por tanto una mirada lúcida, coherente con las ideas scorsesianas y luminosa como corresponde a este tipo de cintas.
Hugo (Asa Butterfield) no sólo redimirá su malestar, sino que será mecanismo de redención para el personaje interpretado por Ben Kingsley. Un doble vía redentora en un personaje profundamente bueno, lo que lo emparenta con Cristo una vez más, un personaje bondadoso contra un mundo injusto que acabará redimiéndolos a todos. Una vuelta de tuerca, otra más, en el cine del maestro.
Por supuesto además nuestro protagonista, y secundarios, vivirán entre la realidad y la ficción, tema esencial en Scorsese, que reflexiona sobre su confrontación, la influencia de una en otra, su sentido y necesidad.
Iremos desgranando y analizando los temas esenciales de la cinta y los postulados habituales de Scorsese que se encuentran en “La invención de Hugo” conforme surjan, igual que los estilísticos.
En relación a estos últimos es obligado comentar el virtuosismo formal de la cinta. Espectacular ya desde el inicio, con una textura similar a la de “Amelie” (Jean-Pierre Jeunet) y similares, pero muy distinta en cuento al estilo y en un deslumbrante 3D. El virtuosismo formal y los elaboradísimos movimientos de cámara siempre han sido indispensables en el cine de Scorsese, que ha sabido ser contenido cuando la cinta lo requería. Movimientos de cámara perfectos de los más competentes operadores, travellings y panorámicas imposibles siempre acorde con el estilo nervioso del director, aunque no contara con 3D. Aquí no hay estilo nervioso, sí hay ritmo, agilidad y elegancia, además del consabido virtuosismo.
Comenzará la película fascinando al espectador en ese sentido con una sublime primera secuencia.
Scorsese dejará detalles colgando, tanto de puesta en escena como en la trama, para ir resolviéndolos posteriormente o que acaben teniendo sentido para el espectador, en este sentido cuando vemos el deslumbrante plano general sobre París que se convierte en una especie de mecanismo no entenderemos su sentido hasta que posteriormente nos lo explica el protagonista. La coherencia en este sentido es máxima, de una planificación y sofisticación alucinante, ya que Scorsese vinculará ese brillante plano inicial con el protagonista, algo que olvidará el espectador lo más seguro, pero cuando se vuelve a recurrir a él cobrará todo el sentido de forma mágica, emocionante.
El mecanismo de un reloj maravillosamente encadenado al mencionado plano aéreo de la ciudad de Paris, hermosísimo. Una ciudad como un reloj, como la ve Hugo. Como él cada uno de nosotros somos una pieza que cuenta y debe encontrar su sitio y sentido, una idea scorsesiana al máximo. Ese plano aéreo nos lleva a mencionar otro de los rasgos estilísticos del maestro Scorsese, un alucinante travelling que viene desde el cielo que nieva de París para meterse en una estación de trenes. En un solo plano geométrico y de precisión rectilínea atraviesa la mencionada estación para llegar a otro reloj, por el cual vemos la mirada de un niño detrás del número 4. Él es Hugo, el vínculo está hecho. El reloj, París, la vida y la forma de verla del chico.
Los relojes, símbolos habituales del destino, de la vida o de la muerte, aparecerán por todas partes, constantemente. El tiempo que se escapa. Los trenes que suelen simbolizar cosas parecidas también tendrán una presencia esencial.
Esta concepción del mundo como un mecanismo entronca con la idea de la existencia de Dios, siempre presente en Scorsese también.
Scorsese empieza fuerte mostrando toda la potencia visual en esta cinta mágica sin reservarse nada, recurriendo a su estilo más virtuoso con perfecta coherencia. Pero no se quedará ahí. Esta primera secuencia es un tour de force.
Otro espectacular travelling seguirá a Hugo por los recovecos imposibles de las interioridades del reloj desde el que observa la vida en la estación. Un plano virtuosísimo, suntuoso, rocambolesco, tortuoso, que muestra el mundo limitado y claustrofóbico, pequeño, de Hugo, un mundo que contrasta con la enormidad del París que observa desde otro reloj y que anhela descubrir de alguna forma. Un plano único que sigue con libertad absoluta a Hugo por todos los rincones del interior del reloj mostrando la habilidad, cotidianeidad y conocimiento, la costumbre y la comodidad con la que vive y se mueve allí. Una escena que muestra su perfecta fusión con el entorno para acabar con el mencionado plano del protagonista mirando maravillado a la espectacular ciudad con ojos deseosos.
Un plano para ver y rever que dice todo acerca del personaje y su entorno, su soledad y anhelos. El plano comienza mirando la estación desde un número 4 y acaba mirando una zona más apartada de la misma, donde está situada una juguetería que regenta un amargado viejo, desde otro número 4.
Antes de este plano veremos a Hugo observar la vida cotidiana de la estación, sus personajes habituales, la florista (Emily Mortimer), el policía (Sacha Baron Cohen), ante el que Hugo tendrá un gesto de tensión, es su amenaza, el quiosquero, el librero, la mujer del bar, los músicos… la vida en tránsito en suma. Un voyeur fascinado. Scorsese acierta al dar importancia a la mirada, algo básico al retratar la infancia, como bien sabe su amigo Spielberg. En la mirada está la maravilla, la sorpresa, la ilusión, el miedo… La infancia.
Scorsese dará importancia, por tanto, a los ojos, las miradas, no sólo a la de Hugo también se centrará en la del receloso anciano interpretado por Ben Kingsley.
Veremos la juguetería desde el punto de vista de Hugo, luego una grúa bajará desde esa perspectiva y Scorsese hará un encadenado acortando el movimiento y situando la cámara frente a la tienda, identificando y cambiando el punto de vista del crío al del propio director y a nosotros como espectadores. Un sutil recurso de lenguaje cinematográfico excepcional.
Hugo en esta primera escena es como James Stewart en “La ventana indiscreta” (Alfred Hitchcock, 1956), viendo como se inician diversas historias, que tendrán su evolución, desde su reloj. Allí se nos presentará a la que será fiel compañera de Hugo, que no sabemos si es nieta o qué del dueño de la tienda. La tentación de un ratón de juguete impulsará a salir a Hugo para intentar robarlo, hasta aquí no se ha dicho una sola palabra, pero será cazado por Georges (Ben Kingsley. Un buen detalle usar un ratoncito como cebo, generalmente son ellos los que caen en las trampas.
Hugo ha estado robando material al juguetero pero no sabemos con qué intención, al obligarle éste a sacar todo lo que lleva en los bolsillos encontrará una libreta con anotaciones y dibujos de trabajos mecánicos, algo que afecta profundamente al anciano, que se vuelve especialmente irascible y cruel con Hugo. Entre los dibujos de la libreta veremos una cara de un autómata, al pasar rápido las páginas la cara girará, como si de fotogramas se tratara, hasta mirarnos cara a cara. El cine en su forma más básica. Un dibujo que nos mira. Otra mirada más.
Todos los personajes de Hugo tienen alguna “avería”. Lo que en Scorsese siempre es redención, aquí se llamará reparación, arreglo. Hugo se siente solo, Isabelle, la chica, siente que en su vida falta aventura, Georges y su mujer viven atormentados por el pasado, por lo que la vida ha hecho con ellos, por el olvido, el policía tiene una pierna atrofiada y necesita un artilugio mecánico para andar, artilugio que se bloquea cada dos por tres…
El policía además es huérfano y se dedica básicamente a arrestar a todos los chavales huérfanos que ve rondando por la estación, un pasado que lo atormenta y vincula también.
Hugo se propondrá la misión de reparar a algunos de ellos pero lo logrará con todos, en algunos casos de forma inconsciente. El redentor.
Arreglar, reparar, serán los verbos más usados. To fix.
Scorsese, como es costumbre, no escatimará en picados, contrapicados, planos oblicuos, encuadres barrocos… esto se comienza a apreciar en el plano secuencia que sigue a Hugo al inicio, ya comentado, donde tendremos esos picados, bajaremos por toboganes, nos moveremos por pasillos imposibles. Puro virtuosismo formal.
Lo mecánica, lo artesanal presidirá toda la cinta, la pierna del policía, los juguetes, los relojes, el autómata, la cámara que construye Méliès, la forma de hacer cine del propio director…
Los trenes tendrán también una presencia esencial, siempre se cruzarán en momentos determinados en la vida de Hugo. La persecución del policía y el perro concluirá con un picado sobre el chaval en un puente bajo el cual cruzará un majestuoso tren. El camino hacia su destino ha comenzado.
El policía es además un contrapunto cómico de la cinta.
La presencia constante de relojes y ese crío que será redentor y solución a los males del resto de personajes hace que pensamos en “Momo” una de las más famosas novelas de Michael Ende, un clásico infantil.
Habrá 3 perros en la cinta, el del policía, que es como una escisión de sí mismo, y otros dos que serán el vehículo para el desarrollo sutil de la breve historia de amistad entre el quiosquero y la mujer dueña del café.
Tras el ajetreo de la huida Hugo se refugiará en un lugar especial en el interior del reloj, el lugar desde donde se ve París entero, con una destacada Torre Eiffel. Una vista maravillosa. Un lugar donde está el reloj principal de la estación y que contendrá planos que nos recordarán a “Tiempos modernos” (Charles Chaplin, 1936) con esa maquinaria del reloj, o incluso a “Metropolis” (Fritz Lang, 1927) con el trabajo del chico entre artilugios mecánicos. Hugo se siente amenazado cuando sale, pero anhela salir. El destino ha comenzado y su miedo a salir será menos fuerte que la pasión por su objetivo, terminar el autómata que estaba reparando su padre.
Una brillante primera escena que concluye con esa anhelante mirada de Hugo y un plano aéreo que cierra la misma de forma circular antes de que salga el título de la película.
Una escena que por sí sola ya merecería estar en la antología cinematográfica.
Un deleite.
De los cálidos dorados de la estación nos vamos sumergiendo en los gélidos azules conforme salimos de ella. El paseo siguiendo al juguetero estará inundado de esos azules una vez salgamos a la calle, un paseo nevado y tenebroso culminado con esas estatuas que simbolizan la antesala de la muerte y contrastan con el autómata al que Hugo quiere dar vida, ellas no podrán adquirirla. Un escenario terrorífico presidido por espectrales estatuas como fantasmas.
Cuando “Papá Georges” deje cruelmente fuera a Hugo veremos perfectamente ese contraste de colores, el frio azul del exterior donde queda Hugo y los acogedores dorados y anaranjados del interior de la casa del juguetero.
Hugo se siente vulnerable saliendo de su universo, tan bien retratado en el plano secuencia inicial, temeroso, inseguro. Una vez se queda fuera con un portazo en las narices, veremos pasar otro tren, siempre presentes, recalcando que está siguiendo su destino con acierto.
Allí tendrá su primer contacto con Isabelle, que sabremos no es nieta del juguetero, y que extrañamente se presta a ayudar a ese desconocido chico. Esta actitud de Isabelle puede extrañar, pero la gran construcción posterior del personaje, soñadora, intrépida, deseosa de experiencias y aventuras, determinarán la perfecta lógica y coherencia de su actuación.
Todo tiene un porqué en “Hugo”, nada es baladí y, por el contrario, sí es muy simbólico. El hecho de que Hugo viva en una estación dentro de un reloj no es gratuito. La estación representa su estatismo, está en “stand by” tras la muerte de su padre, el destino le impulsará a salir de su cascarón para dar cuerda a su vida y a la de los que le rodean. Se siente a salvo en su estatismo y siente miedo al salir de la coraza, pero un destino poderoso le impulsa. El reloj cumple las veces de corazón, todos los personajes tendrán relación de una forma u otra con relojes, son la vida y hay que darles cuerda. Estatismo vital por tanto.
El misterio.
Como en toda buena película infantil que se precie debe haber un misterio, un secreto, una aventura. Aquí ya está planteada, ¿qué es esa libreta?, ¿por qué la persigue con ansia Hugo?, ¿por qué afectó tanto a “Papá Georges”?
En la vuelta de Hugo veremos cómo vuelve a recorrer el pasillo de las estatuas pero al fondo intuiremos una leve lámpara de resplandor dorado. Una esperanza. El París que nos presenta Scorsese es espectacular visualmente.
Llegan las primeras respuestas con el flashback donde Hugo recuerda a su padre y entendemos así su obsesión por la libreta, en el fondo Hugo es otro personaje obsesivo más en la filmografía de Scorsese. Dicho flashback será precedido por el sonido de un proyector, sonido que cesará cuando el flashback termine. Scorsese nos dice que el cine es la vida, es la memoria, es la conservación. Puro amor al cine. Maravilloso momento.
El cine como memoria.
Aquí encaramos otro de los temas clásicos de Scorsese el conflicto entre realidad y ficción, como la ficción influye en la vida o como sólo podemos vivir una vida a través de la ficción. Si el protagonista de “Toro salvaje” (1980) sólo es admisible en sociedad, es un psicótico de cuidado, dedicándose al boxeo, un mundo ajeno al “real” que admite su anomalía, o los protagonistas de “El rey de la comedia” (1982) o “New York, New York” (1977) sólo están cómodos y dan prevalencia a su trabajo, artístico, sobre su vida personal, o el de “Taxi Driver” tiene su mirada perturbada, o el de “Shutter Island” prefiere inventarse una realidad para soportar su dolor… aquí Hugo tendrá en el cine su evasión, y el cine, el arte, lo artesanal, será la vida misma, redentora al final del propio “Papá Georges” y los que le quieren.
El cine no es sólo un entretenimiento para Scorsese, es salvador, beatífico, es la memoria de nuestros maestros, sin la memoria estamos perdidos, es evasión, es una forma de conservar lo bueno y es vida. El amor de Scorsese por el cine es incondicional.
Jude Law es el padre de Hugo, un relojero, un artesano que enseñó su oficio a nuestro protagonista. Veremos por primera vez al autómata y se nos explicará en el flashback de donde procede. Entenderemos así la obsesión de Hugo y su objetivo.
Padre e hijo trabajarán y soñarán para sobrellevar la muerte de la madre de Hugo, esta circunstancia la iremos conociendo conforme se desarrolle la película. También usarán el cine como evasión, por supuesto.
La familia, otro de los temas indispensables en Scorsese, su falta o su dependencia, aquí estará especialmente presente. La orfandad, Isabelle acogida por la familia de los Méliès, Hugo y la pérdida de sus padres, su búsqueda de un mensaje de su progenitor, el policía encarcelador de chavales huérfanos que también lo fue a su vez… La familia, en un italoamericano como Scorsese y con sus historias sobre la mafia en la memoria, siempre indispensable.
Magníficos planos del padre rodeado de relojes. La vida en curso. El corazón del autómata es otra complicación, el padre de Hugo lo definirá como un misterio y este responderá que eso le hace feliz seguro. Una vez más el misterio presente como impulso vital, la necesidad de intrigarse, de la curiosidad como cuerda vital.
Las ensoñaciones o recuerdos serán mostrados por Scorsese con los bordes del encuadre difuminados, la idea de magia siempre sobrevuela la cinta, tanto en el aspecto visual como en los efectos de sonido.
La muerte del padre está tratada con toda la concisión del mundo, con sequedad y dureza, especialmente cuando el Tío Claude (Ray Winstone), se lo comunica a Hugo. Como comenté todos los personajes tendrán su vinculación con relojes, el tío Claude es el encargado de poner en hora los de la estación, trabajo que enseñara a Hugo y además robará uno de bolsillo de la casa de éste. Hablará del tiempo “Tiempo. Tiempo es… 60 segundos en un minuto, 60 minutos en una hora. El tiempo lo es todo.” Esta última frase se dirá frente a la tumba del padre de Hugo. El tiempo no es nada si no das cuerda a tu reloj.
Continúa la vida en la estación. Hugo observándola y buscando el momento de poder robar algún croissant humeante y apetecible, mientras la rutina cotidiana y las historias que Scorsese presentó siguen su curso, el quiosquero que sigue sin poder acercarse a la dueña del café sin que su perro le ataque, la florista con sus flores y la pierna del policía, su rasgo distintivo, vigilante. Este personaje también tendrá su reloj, que sacará y oiremos de forma contundente en una simpática escena donde Hugo se oculta de él tras una farola, homenaje a los clásicos del humor mudo. Los travelling de acercamiento ansioso de Scorsese son míticos, todos recordaréis en muchas de sus películas como transmite la urgencia al acercar la cámara velozmente a un teléfono que suena, en esta secuencia tendremos uno acercándose a los croissants que roba Hugo.
Estas historias, que son aparentes digresiones, tendrán todo el sentido del mundo y formarán un conjunto perfecto al final de la película. Un gran fresco redimido.
Una de estas historias que evoluciona poco a poco es la de amor entre el policía y su pierna atrofiada y la florista. Ella perdió a su hermano en la guerra, él se siente acomplejado por su pierna y canaliza su frustración con una meticulosa dedicación a su trabajo, especialmente meticulosa en lo que a los huérfanos se refiere, que le recuerdan un pasado doloroso. Dos personajes sumidos en el dolor.
Tras la crueldad de “Papá Georges”, Isabelle (Chloë Grace Moretz) ayudará y dará esperanza a Hugo, y aliviará el susto al creer éste que su libreta había sido quemada. Ella está fascinada por los libros y las aventuras, pero no ha vivido ninguna y tiene ganas de hacerlo, así comprendemos por qué bajó a la calle a interesarse por Hugo y por qué lo ayuda ahora, está viviendo la primera aventura real de su vida. Isabelle no parará de darnos referencias literarias, ella no ha visto nunca una película, su padrino, “Papá Georges”, no le deja, tiene algo en contra de ellas, pero no para de leer cultivando su aventurera, entusiasta y fantástica imaginación.
Hay un aire a Dickens, además la cinta cuenta con la presencia de Ben Kingsley, que ya hizo de Fagin en la adaptación de Polanski a “Oliver Twist” (2005).
Sidney Carlton, el protagonista de “Historia de dos ciudades”, Heathcliff, el de “Cumbres borrascosas”, “El país de nunca jamás”, “La isla del tesoro”, “Oz”, “David Copperfield”… serán algunas de las referencias que Isabelle nos irá dejando.
Una buena amalgama de referencias para esta adaptación de la novela gráfica de Brian Selznick.
En la librería a la que Isabelle lleva a Hugo tendremos el placer de ver a Christopher Lee (Monsieur Labisse), el dueño de la misma.
La influencia del arte, su evocación en la vida, está representado en el personaje de Isabelle, sus lecturas crearon su carácter y espíritu y es lo que la impulsa, lo que le da cuerda.
Robin Hood era el libro que padre e hijo leían juntos, una nueva referencia cultural, por supuesto nada gratuita, Hugo será la pieza básica en ese engranaje de los seres que le rodean, dará sentido a sus vidas con generosidad, pero a cambio robará algunas herramientas y croissants. La escena en la librería se cerrará con un picado total tras la mención al padre, como si lo observara desde el cielo. Esta idea no es gratuita ya que Hugo busca un mensaje de su padre en el autómata. Como siempre en Scorsese la idea religiosa estará presente.
El examen del dueño de la juguetería, “Papá Georges”, a Hugo para que repare el ratoncito que rompió me produce mucha emoción, la forma en que está rodado, el acto de la creación artesanal, el mimo de los planos en contrapicado dando importancia a las miradas y al acto de reparación en sí crean un momento hipnótico y conmovedor.
Scorsese utiliza en varias ocasiones recursos visuales, como el ratón reparado o las hojas de la caja que esconde la mujer de Georges, “Mamá Jeanne”, que parecen cobrar vida, para unir, vincular, una vez más, la fantasía, la ficción en la vida misma, en la supuesta realidad. Es por ello que lo que cobra vida en esos recursos visuales (ratón, dibujos…) son trabajos artísticos o artesanales.
El colorido de la cinta, sobre todo en la estación de trenes de aspecto bohemio, especialmente en esos músicos que tocan en el café, remite a pinturas de Toulouse Lautrec por ejemplo.
Hugo pasó el examen y trabajará para “Papá Georges”, que le enseñará magia y trucos de cartas ante la atenta y fascinada mirada del chico. Durante el trabajo Scorsese nos sorprende con una sensibilidad y sutileza para el mundo infantil que nadie pensó tendría, así una mirada curiosa y disimulada es cazada por “Papá Georges” mientras hace uno de sus trucos de magia, en la escena siguiente veremos cómo éste enseña a Hugo esos trucos. El vínculo entre ellos se ha estrechado. El arte, la magia, los sueños, el cine…
Las miradas siguen, como durante toda la película, y ahora nos muestran el creciente enamoramiento de los chavales, sutil y sin subrayado, miradas furtivas y embobadas, creciendo el amor, como va creciendo el autómata de Hugo.
Es el nacimiento, el respeto y la importancia de los orígenes, en todo. Como Méliès es el origen de la historia del cine, su nacimiento. Esa es la esencia de la película y del homenaje.
La música es otra maravilla. Es de Howard Shore.
Una vez el trabajo parece concluido el autómata sigue sin funcionar, falta la pieza clave, la llave en forma de corazón. El corazón, la esencia del arte. Scorsese sigue de forma maestra enlazando sus conceptos en ese vínculo y confrontación de la ficción y la realidad. El interior repleto de mecanismos de un reloj para que funcione, la necesidad de darle cuerda, la importancia de cada pieza, llevado a la vida, cada persona como una pieza importante para que el mundo funcione y el corazón como la llave para darle sentido a todo.
Falta el corazón, el alma, necesario e indispensable en toda creación artística y, por supuesto, en la vida.
Un mensaje simbólico y codificado de Scorsese realmente bello.
Hugo observará todos los rincones de la estación, incluido el despacho del policía, una extraordinaria y nuevamente simbólica idea que confronta el aparente exterior al esencial interior.
Tendremos un momento de humor adulto con la conversación entre los dos policías, y las dudas sobre la fidelidad de la mujer de uno de ellos, muy conseguido.
En la nueva visita a la librería la película pega su giro definitivo y pone la mirada en el cine, el amor de Scorsese ya no se esconde más y lo declara abiertamente. Referencias a “Robin Hood” interpretado por Douglas Fairbanks, personaje también referenciado en la maravillosa “The Artist”. Iremos con ellos a un cine donde ponen un festival de cine mudo y veremos posters de Harold Lloyd, Charles Chaplin, Charley Chase… ¿Qué película muda se puede entrar a ver teniendo en cuentas los componentes de “La invención de Hugo”? Exacto. “El hombre mosca” de Harold Lloyd y la mítica escena del reloj, como es lógico. No puede ser una idea más brillante. Ambos vivirán con pasión el espectáculo de esa obra maestra, viviendo como si fueran ellos el riesgo que corre el bueno de Harold Lloyd, sucumbiendo a la magia del cine y quedando completamente hechizados por el cinematógrafo.
Más carteles “Judex” (Louis Feuillade, 1916), Rodolfo Valentino, también referenciado en “The Artist” (Michel Hazanavicius, 2011), Buster Keaton…
Tras sincerarse Isabelle sobre la oposición de su padrino a que viera películas será Hugo el que cuente como él iba a menudo con su padre al cine para evadirse de la muerte de su madre. Una vez más la idea del arte, aquí el cine, como redentor.
Ya tenemos que el cine para Scorsese es muchas cosas, redentor, mecanismo de evasión y escapismo, nuestra memoria, olvido, pasión, generador de sueños, aventura…
Hugo hablará de la primera película que vio su padre, y que le marcó. “Viaje a la Luna”. El padre definió su experiencia como “ver sus sueños de día”. El cine generador de sueños y viceversa. Scorsese nos va adentrando en el universo del metacine y el metalingüismo. Hugo contándole a Isabelle que su padre vio una película de su padrino, sin que ellos mismos sepan la verdadera identidad de éste. El destino la conexión… y para realzarlo, Scorsese hará sonar un tren en off cuando Isabelle pregunte a Hugo donde vive.
Ya son tres las veces que un tren se cruza con Hugo, primero pasó por debajo suya, luego por encima cuando estaba frente a la casa de los Méliès y ahora en off al mismo nivel en la lejanía, símbolo de su destino, se va acercando, al llegar a aquella casa se nos indica que va por buen camino, cuando suena en off al preguntarle Isabelle nos indica que su futura vivienda está relacionada con ella.
Aparecerá otra vez el tren en un sueño y en la secuencia final para redondear esta evolución.
Las referencias literarias, nueva vinculación del arte en la vida, salvará a Hugo, a través de Isabelle, de una situación comprometida con el policía (Sacha Baron Cohen), en esta ocasión será Christina Rossetti.
Hugo se siente algo despreciado por ser llamado inculto, palabra que usó Isabelle para salvaguardar su seguridad, y decide dejar a la chica para irse a su rincón en el reloj, en ese momento una marea de adultos ajenos al sentir de los críos irrumpe en la estación tirando al suelo a la chica que desesperada, y con unos planos muy clásicos de Scorsese partiendo la pantalla, en un uso muy típico también del cine mudo, pide ayuda. Hugo regresará y será su salvador, ejemplificando su carácter redentor. Es por ello que en ese momento descubrirá la llave que le falta a su autómata en el cuello de Isabelle, con lo que invitará e incluirá, por primera vez, a una persona en su micro universo. De paseo por los humeantes y oscuros pasillos de las interioridades de la estación Isabelle nos dedicará otra referencia literaria, Jean Veljean, el protagonista de “Los miserables”.
Es fascinante ver como se pone en funcionamiento cada pieza del autómata, piezas pequeñas o grandes pero todas absolutamente imprescindibles para que funcione. Un autómata que unirá todas las claves y vínculos sugeridos durante la cinta mediante el arte, nuevamente, la pintura del plano más mítico de “El viaje a La Luna”, con el cohete en el ojo del satélite. Hugo ya no se sentirá solo.
El ojo de la Luna y el ojo en la cerradura. Los ojos, como vengo comentando, importantes, la mirada, que es el cine. Los críos ya en casa de los Méliès indagan en el significado del dibujo y encerrados en una habitación descubren pinturas de los antiguos trabajos de del gran director, con los mencionados recursos visuales de Scorsese alimentando la idea de la unión entre realidad y ficción, la inexistencia del concepto de la realidad que carece de límites. Un misterio, el descubrimiento de un secreto y una aventura apasionante y necesaria para los chicos.
La frustración de Méliès lo lleva a definirse a sí mismo como “un comerciante, un juguete roto”. La coherencia y solidez de los conceptos de la cinta son increíbles.
Christopher Lee regalará el libro de “Robin Hood” a Hugo, en un reconocimiento de su persona. De las reticencias iniciales del librero con él, por su aspecto, ahora le incita con ese regalo a ser más él mismo que nunca. Un acto simbólico de lucidez por parte Monsieur Labisse.
Seguimos con la evolución de las, aparentemente, historias superfluas de la película con la entrañable escena de seducción del policía a la florista (Emily Mortimer), que nos recuerda a la chapliniana de “Luces en la ciudad” (Charles Chaplin, 1931). Un paso definitivo en el personaje del policía que queda aquí humanizado dando mayor cohesión a su posterior evolución. Personajes secundarios perfectamente dibujados. El personaje de la florista está más difuso pero lo suficientemente cuidado para intuir su soledad y necesidad de dar cariño.
Scorsese no centra de forma clara su discurso en el cine hasta casi la hora de película, antes sólo lo insinuó sutilmente (el sonido del proyector para los recuerdos de Hugo, los dibujos del autómata en la libreta del chico…). En la biblioteca del cine encontrarán información sobre el gran Georges Méliès, y tendrán la fortuna de coincidir con el autor del libro que leen (un truco de guión pero que se acepta en ese universo mágico que Scorsese propone), “La invención de los sueños” de René Tabard, admirador incondicional de Méliès y que ayudará a los chicos.
Allí descubren la magia e importancia de los orígenes, que como he comentado, es tema básico en la película, descubren el cine como generador de sueños y la formación de un nuevo lenguaje.
Al respecto puede llamar la atención que Scorsese ruede una película en 3D, algo que han criticado algunos por verlo comercial, supongo que los mismo de siempre que por no entrar en el fondo se quedan en absurdeces como ésta. El hecho es que la idea de Scorsese de usar el 3D no puede ser más acertada porque no sólo la usa como recurso visual sino metacinematográfico. Me explico, en la escena donde Hugo e Isabelle buscan información sobre Méliès veremos que leen sobre la reacción de la gente cuando vio por primera vez una película, un simple tren entrando en la estación de los hermanos Lumière (“Llegada del tren a la estación de La Ciotat”, 1895), Scorsese recreará la escena y veremos la incredulidad en el rostro de los muchachos por la ingenuidad de sus ancestros. Es en ese momento cuando la cabeza del espectador, como un mecanismo de relojería perfecto, recuerda como ellos dos que tanto se asombran de la incredulidad de los primeros espectadores han vivido apasionadamente como Harold Lloyd pasaba apuros para mantenerse en una cornisa en “El Hombre mosca”, hecho que podía despertar la sonrisa del espectador actual por la ingenuidad e inocencia de esos dos chicos que ve en pantalla porque él, en ese preciso instante, se asombra de cosas mucho más avanzadas… el 3D.
Esta idea es para estar haciendo la ola al autor de esta obra maestra cada vez que se le nombre. La fantástica evolución pero la importancia de la creación, del fondo, de la historia, de los maestros y los orígenes. Todos, los que se sorprendían con la llegada de un tren, con una cinta muda o con el mundo de “Avatar” (James Cameron 2009), somos los mismos. Esto y la importancia de las cosas pequeñas, nimias, esa capacidad de sorprenderse con ellas, algo ligado siempre con la infancia o el espíritu infantil.
La idea de mostrar alguna película de los Lumière es también un homenaje al documental (es lo que son las cintas de los Lumière), un género que Scorsese frecuenta con tanta devoción y proliferación como el de ficción. Una vez más lo biográfico y profundamente personal, traspasa la pantalla.
En esta escena Scorsese recreará momentos de las épocas sobre las que los chavales leen, una vez más la imaginación de Hugo se verá reflejada como en un proyector, un cuadro pintado en el techo de la biblioteca de un hombre que lanza un rayo de luz desde su dedo se convertirá en el artilugio y veremos escenas de múltiples películas mudas, entre ellas un vaquero que nos dispara a los espectadores que a todo seguidor de Scorsese le recordará a Joe Pesci disparándonos al final de “Uno de los nuestros” (1990). Una espectacular escena que homenajea a los pioneros.
“Las películas tienen el poder de capturar los sueños”. “Salida de los obreros de la fábrica” (Louis Lumière, 1895), “Llegada del tren a la estación” (Louis Lumière, 1895), “El hombre mosca” (Fred C. Newmeyer, Sam Taylor, 1923), “La caja de Pandora” (Georg Wilhelm Pabst, 1928), “El ladrón de Bagdad” (Raoul Walsh, 1924), “El maquinista de la general” (Buster Keaton, 1926) , “El chico” (Charles Chaplin, 1921), “El gabinete del doctor Caligari” (Robert Wiene, 1920), “Los 4 jinetes del apocalipsis” (Rex Ingram, 1921), “La hija del agua” (Jean Renoir, 1925), “El hijo de la pradera” (King Baggot, William S. Hart, 1925), “Asalto y robo de un tren” (Edwin S.Porter, 1903), “Intolerancia” (D. W. Griffith, 1916), “Hell’s Hinger (Charles Swickard, 1916), “Dickinson experimental sound film” (1894), “Corbett and Courtney before the Kinetograph (William K. L Dickson, William Heise, 1894), “The Kiss” (William Heise, 1896)...
René Tabard (Michael Stuhlbarg) nos narrará sus recuerdos y sueños con el propósito de ayudar a los chavales, un fan de Méliès. Estos recuerdos también serán mostrados con los encuadres difuminados por los bordes. Un autor que conserva todos los fetiches y recuerdos posibles del gran cineasta francés y que al conocer que está vivo acompañará a los chicos a conocer al director. En esos recuerdos Scorsese nos sumerge en el rodaje de ese maestro pionero, una auténtica gozada para los cinéfilos donde veremos “cómo y dónde se crean los sueños”, los juegos de perspectiva que con el 3D cobran aún más sentido e impacto y toda la magia del creador. Si, como se dice en la película, todos estamos aquí por una razón y cada uno debe hacer lo que sabe, el creador debe crear.
Todo está repleto de relojes. Hugo y su padre leían a Julio Verne, autor que también mencionará el librero y al que adaptó el propio Méliès en “20.000 leguas de viaje submarino”. Otro hacedor de sueños.
Hugo comparará el propósito de las máquinas con el de las personas, todos tienen uno. Ese es el motivo por el que las arregla, le pone triste que no funcionen, aplicará lo mismo, por tanto, a las personas. El redentor. Arreglar, reparar, redimir…
Es en este momento cuando volveremos a ver los planos generales sobre París, el mundo como un mecanismo dice Hugo, con lo que cobrarán todo su sentido los planos iniciales.
El sueño o la pesadilla de Hugo contendrá relojes y trenes, como no podía ser de otra manera, un presagio de que su destino se acerca, un destino que teme porque no sabe lo que le deparará, así si vimos trenes recorrer las vías por encima, por debajo y a lo lejos de Hugo, en su sueño uno lo atropellará. Pero no es un simple sueño, es un sueño dentro de un sueño, en el segundo lo veremos convertirse en el autómata, necesitado de reparación y a la vez reparador del destino de los demás.
Christopher Nolan en “Origen” (2010) ya se introdujo en el mundo de los sueños, de los sueños dentro de los sueños y los vinculó con el cine y la ficción, pero en un lenguaje codificado.
Esa constante vinculación entre vida, sueños, memoria, recuerdos, ficción y cine, y la idea de éste último como redentor no sólo está desde el guión, también lo vemos en la puesta en escena. Así veremos como el escritor fan de Méliès quedará fascinado con el modo en que se crean los sueños haciendo películas, como le dice el propio director; Hugo e Isabelle mirarán igualmente fascinados esa magia creada que sale de un proyector en el cine en el que se cuelan (Isabelle por tanto vive una aventura, su mayor deseo), la misma mirada que tienen junto a “Mamá Jeanne” cuando ven “Viaje a la Luna” (superando los miedos y frustraciones tras el visionado); Méliès sentirá lo mismo la primera vez que ve el cinematógrafo; Hugo rememorará lo que le contó su padre sobre su primera experiencia viendo una película, “Viaje a la Luna” de nuevo… miradas fascinadas, soñadoras…
El tío Claude aparece muerto a la rivera del río, dejó de dar cuerda a los relojes y, por tanto, el desenlace no podía ser otro.
Hugo da cuerda a los relojes, y a las personas, la profesión se convierte en metáfora, todos necesitamos que nos den cuerda de una forma u otra. Todo ejemplificado en el autómata.
Los chicos y Tabard irán a ver a la familia Méliès y tras discutir un poco y rememorar el pasado “Mamá Jeanne” accederá a ver la única película que, en teoría, se conserva de su marido, donde ella participa como actriz. “Viaje a la luna” (1902).
Pocas veces ha sido tan emocionante una proyección como la que vemos en casa de los Méliès. Manual, donde el arte, el pasado, los orígenes, el respeto, el amor, los recuerdos y la emoción se funden en las miradas de las 4 personas que ven la película.
Georges Méliès descubrirá la proyección y caerá derrotado en su rencor con el mundo, redimido por fin por ese chaval que no cejó en su determinación de descubrirle al gran cineasta su verdadero lugar en el mundo, su verdadero propósito.
Méliès nos contará su pasado como mago, la construcción de su propia cámara, como quedó fascinado por el invento de los Lumière, aunque estos pensaban que no era más que una moda pasajera. Veremos al fascinador fascinado, al mago hechizado. Lumiére no fue un visionario con respecto al futuro del cine, D. W. Griffith tampoco, pensó que en las películas jamás se hablaría.
George Méliès relatará como después de la guerra dejó de interesar su arte, y su frustración. Todo un ejercicio de metacine totalmente disparado y rubricado con el cameo del propio Martin Scorsese como fotógrafo.
El montaje es la magia del cine, como bien muestra Nolan también en su soberbia “Origen”, es la posibilidad y el mecanismo de los sueños. Extraordinaria la escena donde vemos como el montaje produce una escena mágica.
La cima, el éxito, el celuloide inmortal convertido en tacones de zapatos o botas militares, los decorados de los sueños derruidos en una pesadilla. El signo de los tiempos.
Georges Méliès aceptará su pasado, renunciará a olvidarlo y se redimirá gracias a Hugo.
Las historias cotidianas en la estación siguen su curso, así el quiosquero encontrará la forma de acercarse a la dueña el café comprando otro perro, la amistad de los chuchos posibilitará la tranquilidad de la relación.
El policía no cejará en su persecución a Hugo, este se escapará y dará lugar a una de las escenas más impactantes visualmente, con Hugo colgando del reloj de la estación para ocultarse de los dos sabuesos y recordando de paso a Harold Lloyd en la película que vio. Una vez más Scorsese vincula la ficción de lo que vio en el cine con la vida usando lo que vio de manera práctica. Pura magia constante.
Al final de esta persecución la pesadilla de Hugo casi se hará realidad al intentar rescatar al autómata de las vías del tren, al caer éste allí en un forcejeo con el policía. Un tren se acerca a toda velocidad dispuesto a pasarle por encima pero será el propio policía quien lo rescate. Cine, sueños y vida, siempre unidos como veis. El destino ha llegado, el tren parará al lado de Hugo.
La historia de Hugo apelando a la vida que también ha tenido el policía y la aparición de Georges Méliès para defenderle y adoptarle terminan el ciclo de redenciones, la confirmación de la del propio Méliès, la del policía ante las miradas interesadas de la florista…
El homenaje al gran Georges Méliès, la recuperación de muchas de sus películas que se creían perdidas nos deja otro momento de desbordante emoción. Cuando Méliès da las gracias por la “reparación” que Hugo le ha hecho y el gesto cada vez más emocionado y avergonzado del chico, que en esta escena está sencillamente magistral. Luego tendremos otro ejemplo de metacine cuando el Méliès interpretado por Ben Kingsley se convierte en el Méliès real en un mismo plano.
El cine como redentor. Como se aprecia “La invención de Hugo” encaja perfectamente con los temas más personales de Scorsese.
La mirada emocionada de Méliès en su homenaje es la del orgullo ante su obra, el orgullo que debemos intentar sentir todos ante nuestras obras, artísticas o vitales.
Arreglar. Reparar. Redención.
“La invención de Hugo” está tan desbordante de creatividad y magia como el cine de Méliès. Pura imaginación.
Ven las cintas del grandioso cineasta francés, son cortas y realmente mágicas. Las películas de Méliès referenciadas con imágenes son “El viaje a la Luna” (1902), “Le mélomane” (1903), “El reino de las hadas” (1903), “El rey del maquillaje” (1904), “Viaje a través de lo imposible” (1904), “Las cuatrocientas farsas del diablo” (1906),“La fée carabousse ou le poignard fatal” (1906), “Papillon fantastique” (1909), “Les illusions fantaisistes” (1910), “A la conquista del polo” (1912). Las recreadas en “La invención de Hugo”, en rodajes etc. son un buen número… “Le cauchemar” (1896), “Cenicienta” (1899), “La libellule” (1901), “El hombre de la cabeza de goma” (1901), “Faust aux enferns” (1903), “La chrysalide et le papillon dór” (1903), “Le cake-walk infernal” (1903), “Le palais des mille et une nuits” (1905), “Le menuet lilliputien” (1905), “Le raid Paris-Monte Caro en deus heures” (1905), “Las cuatrocientas farsas del diablo” (1906), “El eclipse: El cortejo entre el sol y la Luna” (1907), “Grotte avec flames”, “La dithguika”.
El plano secuencia final redondea la película, estilísticamente se podría decir que le da forma circular al empezar ésta con un plano secuencia también. Más minimalista en la forma pero intenso en el fondo con todos los personajes reunidos en la casa de los Méliès, policía y florista unidos como pareja, él con un artilugio nuevo para su pierna que funciona perfectamente creado por Hugo, otra reparación hecha por el chaval; Hugo haciendo trucos de magia; Méliès hablando apasionadamente con su mujer y Tabard, el escritor, sobre su trabajo; el librero recomendando libros, lo que más le apasiona, al quiosquero y la dueña del café sobre perros; los músicos que veíamos en la estación ponen música en el mismo decorado e Isabelle observa como Hugo disfruta y escribe sobre él en un libro mientras la cámara de Scorsese nos lleva a otra habitación donde encontramos al autómata, que es la creación en sí misma, y la clave de todo, satisfecho con lo que ha logrado. La voz en off de la propia Isabelle, que cierra la película con unas bellas palabras, rubrica la cinta con un final feliz donde la familia, el hogar y el amor son la razón de ser. Una bellísima escena.
Por si alguien duda comentar que Hugo no existió, es un personaje de ficción en una historia real. Todo lo que acontece con Méliès es cierto. Una vez más la mezcla, y la confrontación, difuminando los límites, de la realidad y la ficción. La concepción visual tan fantástica recrea la magia del cine y de la imaginación infantil de forma deslumbrante.
Hemos visto como muchos de los temas clásicos de Scorsese se mantienen en “La invención de Hugo” adaptados al género y tipo de película, infantil y familiar, así el calvario para redimirse, el camino habitual de los atormentados personajes del cineasta aquí se convierte en un camino, que también redime, pero hacia el descubrimiento de uno mismo, de cuál es nuestra función en el mundo.
Los seres solitarios, antisociales, buenos en ocasiones, que se enfrentan a un mundo injusto también está presente en Hugo, donde tanto Méliès como el propio Hugo, incluso Isabelle, son seres solitarios pero a diferencia de los títulos más famosos de Scorsese no son personajes perturbados o lindantes con la psicopatía (“Taxi Driver”, “Malas calles”, “Toro Salvaje”). Las películas de Scorsese suelen tener una fuerte presencia individualista, todo suele girar en torno a un personaje, el resto son, a menudo, complementarios del mismo. Aquí también sucede. Los personajes femeninos han ido cobrando presencia en las películas más personales de Scorsese, pero su cine es masculino en su mayoría. Aquí, Isabelle tiene una presencia importante. La soledad de sus personajes suele supeditar su psicología, aquí ocurre de forma clara. La puesta en escena es deslumbrante y virtuosa pero los movimientos de cámara no son nerviosos ni la violencia tiene presencia en la cinta, algo coherente respecto al género y estilo del film y que Scorsese ha hecho en varias ocasiones, cambiando su estilo frenético para adecuarlo con el fondo del tema tratado. Con todo, la cámara se mueve libre, fluida, juvenil, como corresponde también a la cinta, con extraordinarios planos secuencia.
Los componentes autobiográficos, habituales en su cine, aquí son especialmente íntimos, ese padre cinéfilo que acompaña a Hugo a ver películas se corresponde con la vida del cineasta, así como la infancia solitaria entre otras cosas… como su pasión por el cine. Esa pasión por el cine que le lleva a incluir referencias cinéfilas más o menos encubiertas en todas sus películas.
Johnny Depp es productor de la cinta.
Pocos defectos pueden ponerse a la película, algún truco de guión que no molesta y acaba resultando encantador, como la aparición del escritor en la biblioteca, y poco más.
Una película para los que amen el cine, les guste soñar, vivir, amar y reflexionar. Sí, la magia existe, y aunque algunos lo olvidan o se consideran demasiado importantes para tenerla en cuenta, ahí está.

joder,eso que es ,el guion de la pelicula,jajajajaja

Pero esto cuando lo escribes?? Para un blog, en cinco minutiguos cagando (que lo dudo!!) lo sacas de algún ladon...

yo esta la tengo pendientemente...

De todo un poco jarry jajaja; venga anda que ya dije que serían dos sospresillas, ahora os jodéis que tenéis trabajo, y tú jarry cuelga más las pelis que ves joio

lord_sammet escribió:De todo un poco jarry jajaja; venga anda que ya dije que serían dos sospresillas, ahora os jodéis que tenéis trabajo, y tú jarry cuelga más las pelis que ves joio

No sé es que me cuesta ver ahí el Lord parco en palabriguas de siempre... Yo creo que hay alubia Boyeromente encerrada!! y luego no haces ninguna critica de diskiguos!! aunque tan chapas no podrían ser...

Mándalas al Fotogramas, el Cinemania o Imagenes que igual te fichanmente!!

jarryguo escribió:

lord_sammet escribió:De todo un poco jarry jajaja; venga anda que ya dije que serían dos sospresillas, ahora os jodéis que tenéis trabajo, y tú jarry cuelga más las pelis que ves joio

No sé es que me cuesta ver ahí el Lord parco en palabriguas de siempre... Yo creo que hay alubia Boyeromente encerrada!! y luego no haces ninguna critica de diskiguos!! aunque tan chapas no podrían ser...

Mándalas al Fotogramas, el Cinemania o Imagenes que igual te fichanmente!!

Jajaja que cansino.... no tiene nada que ver hablar en la radio con escribir tio, más de uno por aquí sabe que hablo como una cotorra cuando se da el momento pero con los super guiones que nos curramos en los programas jajaja.....

lord_sammet escribió:

jarryguo escribió:

lord_sammet escribió:De todo un poco jarry jajaja; venga anda que ya dije que serían dos sospresillas, ahora os jodéis que tenéis trabajo, y tú jarry cuelga más las pelis que ves joio

No sé es que me cuesta ver ahí el Lord parco en palabriguas de siempre... Yo creo que hay alubia Boyeromente encerrada!! y luego no haces ninguna critica de diskiguos!! aunque tan chapas no podrían ser...

Mándalas al Fotogramas, el Cinemania o Imagenes que igual te fichanmente!!

Jajaja que cansino.... no tiene nada que ver hablar en la radio con escribir tio, más de uno por aquí sabe que hablo como una cotorra cuando se da el momento pero con los super guiones que nos curramos en los programas jajaja.....

Que guion ni alubias, para eso existe la masisi espontaneidad!! hay se ve donde vale Fofitomente uno!!

Pues escribe escribe pero no le des tantas vueltiguas a la misma cosa que se puede decir lo mismon con menos!! También le pondría un pokiguo más de personalidad al asunto, un toque especial... Porque esas crcitikiguas en el Fotogramas no te las van a aceptar con peajemente!!

joer con el Lord y parecía Forrest cuando lo alquilamos en la cabaña del tio Culilom!!!

Grandes (en todos los sentidos) Criticas Lord, como siempre

Ahora ya se porque te vas... a ti te han contratado en Guantanamo para tortuar a los terroristas haciendoles leer tus parrafadas

Que la fuerza y el Cine viejuno te acompañen...

Quedan pendientes unas birras en gayumbos viendo a van damme, ya sabes......

Invicto 2 de Isaac Florentine

Pues nada después del truño que se marco Walter Hill, la peli protagonizada por Snipes y Vingh Rhames daría algo de dinero como para hacer una secuela directamente a dvd. Ya con otro reparto, la única relación que tenemos es otra vez al personaje de Rhames (Esta vez encarnado por Michel Jai White, una bestia parda) enviado a Rusia donde termina en una cutre carcel perdida de la mano de Dios, regentado por un mafioso local con el proposito que se pele contra una bestia más parda todavía llamada Boika (Scott Adkins un especialista en dar unas patadas que hace que las de Van Damme en sus buenos tiempos sean una mariconada) y ya esta.

Como peli pues es la tipica de videoclub, pero en el tema de peleas, es una pasada, lastima que no esten muy bien rodadas, sobretodo la del final que le falta más emoción.

Hay una tercera parte que aquí todavía no ha llegado así que la veremos en V.O.S.

Invicto 3 de Isaac Florentine

En realidad es un spin-off del villano de la anterior secuela, que en esta ocasión se redime a base de meter más ostias. La verdad que las peleas no estan mal pero como esto es carne de videoclub no se han esmerado para nada la historia y mira que el personaje tiene cierto potencial. Se ha anunciado ya una cuarta parte.

¿Solo veo pelis yo?

Ira de Titanes

Secuela de Furia de gañanes, perdon Furia de Titanes. Aquí pues un poco más de lo mismo y eso que el trailer prometia que iba a ser mejor que la anterior pero supongo que trás la mala experiencia del remake peor no se podía y casi casi. Esta secuela es más digerible, aunque el 3D esta bastante desaprovechado. Sam Worthington tiene que estar como loco para que le llame James Cameron otra vez porque el muchacho esta demostrando ser el nuevo carapalo de Hollywood. Por cierto Rosemund Pike sale bastante bien aunque eche de menos a Gemma Atherton.

Más allá del valor (1983).



Buena pelicula de Acción 80 con dosis de heroismo, como le gustan al amigo True je je je!!!

"No tengas miedo"

El padrino

La casa en sombra (On dangerous ground, 1951) de Nicholas Ray.

Aunque la rodó antes que una de mis películas favoritas de siempre, En un lugar solitario, fue estrenada después, pero tienen muchos puntos en común.

Es una peli sobre la frustración, la soledad y la ira de un policía que odia el mundo en el que vive. Una especie de Harry Callahan que es destinado a una misión para que se aleje de las calles una temporada. La primera media hora es magnífica, con algunos planos secuencia asombrosos, y la segunda no le va a la zaga.

Con un excelente guión y la mano maestra de Ray, acompañados de la música de Barnard Hermann, la película es una soberbia muestra de cine negro, poco conocida pero casi imprescindible.